Teatro Oficina Central de los Sueños

"UNA TEMPORADA EN EL INFIERNO" de Arthur Rimbaud

2012-02-11T10:16:00.000-08:00

“Espero a Dios con gula soy de raza inferior desde toda eternidad”

Temporada desde el 9 al 25 de Febrero de jueves a sábado a las 8:00 p.m.

Boleteria: $ 9.000 Estudiantes, discapacitados y adultos mayores. $ 18.000 Público General.

Todos los Jueves 2X1 en nuestra boleteria y 2X1 en nuestros cócteles.

Las personas que cumplen años en este mes de Febrero tienen un pase de cortesía.

2012-02-08T07:16:00.000-08:00

Carlos Reyes

Músico y productor musical de formación empírica y académica, con experiencia en estudio y conciertos como solista y junto a agrupaciones profesionales de rock y blues. Investigador de las raíces de la música rock y promotor del Blues en Colombia

Director musical "Carlos Reyes & La Killer Band". Desde 2009 escribiendo canciones y llevando a cabo presentaciones por toda Colombia con esta agrupación que en octubre 2011 sacó a la luz su primer trabajo discográfico de material totalmente inédito titulado "Ruido de Bogotá" y que está empezando a ganar popularidad en emisoras y medios locales. www.carlosreyeskillerband.com

Valor del Taller por persona $ 20.000.

Inscripciones al teléfono 239 41 79 o escríbenos al correo electronico comunica.oficinacentral@gmail.com.

Biografía de Porfirio Barba Jacob

2011-11-03T09:53:00.001-07:00

Porfirio Barba Jacob (seudónimo de Miguel Ángel Osorio Benítez) nació el 29 de julio de 1883 en Santa Rosa de Osos y murió tuberculoso en Ciudad de México, el 14 de enero de 1942. Hijo de Antonio María Osorio y Pastora Benítez, se crió con sus abuelos en Angostura y en 1895 inició su peregrinaje, que lo llevo por varias ciudades del país y, a partir de 1907, a Centroamérica y Estados Unidos.

Luego de fundar en Bogotá, hacía 1902, el periódico literario El Cancionero Antioqueño, que dirigió como Marín Jiménez, escribió la novela Virginia que nunca vio la luz pues los originales fueron incautados por el alcalde de Santa Rosa por 'inmoral'. En 1906-1907 en Barranquilla escribió sus primeros poemas que hicieron parte de Campiña Florida (1907) donde apareció su más conocido poema: Parábola de la vida profunda. Entonces adoptó el sobrenombre de Ricardo Arenales, que usó hasta 1922, cuando en Guatemala, lo cambió por Barba Jacob que conservó hasta su muerte.

Utilizó otros seudónimos: Juan Sin Miedo, Juan Sin Tierra, Juan Azteca, Junius Cálifax, Almafuerte, El Corresponsal Viajero y otros más. En Centroamérica, México y EU. colaboró en periódicos y revistas. Fue amigo de Porfirio Díaz, por lo que tuvo que huir a Guatemala de donde tuvo que salir en 1915 por desacuerdo con Manuel Estrada Cabrera. Viajó a Cuba.

En 1918 retornó a México y vivió en Ciudad Juárez, El Paso y San Antonio, donde se dice que escribió una perdida biografía de Pancho Villa. En 1922 fue expulsado por Obregón y tuvo que radicarse en Guatemala de donde fue sacado, en 1924, por el general Ubico. Se instaló en El Salvador y fue deportado por el presidente Quiñones. Vivió entonces como cura en Honduras, luego fue a Nueva Orleans y Cuba. En 1926 viajó a Lima. En 1927 regresó a Colombia; tras algunos recitales y trabajar en El Espectador, se marchó para no volver. Vivió nuevamente en Cuba, en donde conoció a Federico García Lorca. En 1930 se radicó definitivamente en México.

Biografía de León de Greiff

2011-11-03T09:40:00.001-07:00

(Francisco de Asís León Bogislao de Greiff Haeusler; Medellín, 1895 - Bogotá, 1976)

Poeta colombiano que se distinguió por su lirismo simbólico, sarcástico, imaginativo y musical, uno de los más originales que ha dado Colombia. Popular entre los poetas e ignorado por el lector común, vivió casi siempre en Bogotá, donde frecuentó sucesivas generaciones de bohemia y de vanguardias. El barroquismo y la singularidad de su estilo lo situaron entre los más influyentes vanguardistas de América.
En 1927 contrajo matrimonio con Matilde Bernal Nichols, con quien tendría cuatro hijos: Boris, Hjalmar, Astrid y Axel. Este mismo año fue nombrado jefe de Estadística de la Dirección de Caminos de Antioquia y luego de los Ferrocarriles Nacionales.
En 1945 fue jefe de Educación Secundaria de la sección de becas. Tres años después fue nombrado director del Servicio de Extensión Cultural de Colombia. En 1954 enseñó literatura en la Facultad de Ingeniería, y música en el Conservatorio de la Universidad Nacional. Después de trabajar como profesor, ocupó el cargo de secretario de la Embajada de Colombia en Suecia y viajó como invitado a la Unión Soviética y a China.
Su obra poética es de difícil comprensión, debido a la utilización de un simbolismo oscuro, producto de un imaginario personal muy rico, alimentado, en parte, por su doble ascendencia española y escandinava, que le empujó a servirse de temas desconcertantes para los lectores de su país, ya fueran recreaciones de tradiciones y paisajes lejanos o referencias a autores marginales. Este cruce ancestral sugiere ya la síntesis de diversos lenguajes que caracterizará su obra, esa máquina neobarroca de producir vocabularios, juegos verbales, músicas, en un sistema sinfónico personal sin parangón en la lengua castellana, por lo que no es excesivo afirmar la existencia de una sintaxis greiffiana.
Murió en Bogotá el 11 de julio de 1976. Tenía 80 años

Biografía de José Asunción Silva

2011-11-03T09:17:00.000-07:00

(Bogotá, 1865 - 1896) Poeta colombiano.

En la historiografía literaria suele reconocérsele como el gran iniciador del modernismo en Hispanoamérica, que el nicaragüense Rubén Darío llevaría a la cúspide.
Dotado de una gran sensibilidad humana y artística y de una notable inteligencia, tuvo una formación literaria precoz, resultado de un ambiente familiar cultivado y creativo: José Asunción Silva era hijo del escritor costumbrista y acomodado comerciante Ricardo Silva, un hombre elegante, de refinado gusto y descendiente de aristocráticos granadinos emparentados con el general Santander. Doña Vicenta Gómez, hermosa dama bogotana y madre del poeta, era hija del diputado Vicente Antonio Gómez Restrepo, quien desempeñó importantes labores en los primeros años de la República de la Nueva Granada y falleció tempranamente.
De los hijos del matrimonio Silva-Gómez sólo llegaron a edad adulta José Asunción, Elvira y Julia, falleciendo en la infancia Alfonso, Inés y Guillermo. Esta temprana relación con la muerte marcaría al poeta. Ya a los dos años de edad, José Asunción tenía fama de prodigio en Bogotá. Parece ser que a esa edad ya sabía leer, escribir e incluso pintar.
Algo que sin duda marcó su infancia y juventud fueron las tertulias literarias que su padre organizaba, bien en la casona del barrio de La Catedral, bien en el almacén dedicado a la venta de objetos suntuosos. A estas tertulias asistían no sólo miembros del grupo El Mosaico, escritores costumbristas como José Manuel Marroquín, José María Vergara y Vergara, Salvador Camacho Roldán, Ricardo Carrasquilla y José David Guarín, entre otros, sino que también don Ricardo cultivaba amistades dentro de la política. Radical sin fanatismo, fue amigo de José María Samper, Rufino José y Ángel Cuervo, Jorge Isaacs, Francisco Javier Zaldúa y Teodoro Valenzuela.
En enero de 1869 José Asunción ingresó al Liceo de la Infancia, dirigido por don Ricardo Carrasquilla. Como el niño de tres años recién cumplidos ya sabía leer y escribir, no entró al primer curso sino a dos más avanzados, al lado de compañeros que le aventajaban en edad como José Rivas Groot, Andrés de Santamaría y Juan Evangelista Manrique. En este colegio uno de sus institutores, Nicolás Esguerra, lo apodaría con el mote de "José Presunción". El 2 de marzo de 1870 nació Elvira Inés Silva Gómez, quien llegaría a ser la más cercana confidente de su hermano. Aunque los biógrafos insisten en describir a José Asunción como un niño triste, tímido e introvertido, sus poesías dedicadas a su infancia la recuerdan con nostalgia y dulzura.

Biografía de María Mercedes Carranza

2011-11-03T09:10:00.001-07:00

Poetisa y periodista colombiana nacida en Bogotá el 24 de mayo de 1945 y fallecida el 11 de julio de 2003. Hija del poeta y diplomático Eduardo Carranza, viajó desde temprana edad a Europa en compañía de su padre, donde se establecieron en España y Francia. De esta manera, María Mercedes Carranza tuvo la oportunidad de conocer e interactuar con algunos de los poetas más reconocidos de la época; entre ellos, Panero, Rosales, Ridruejo y Luis Felipe Vivanco. Concluyó sus estudios en la Universidad de los Andes, donde obtuvo una licenciatura en Filosofía y Letras.

Ejerció el periodismo trabajando para periódicos como El Siglo de Bogotá y El Pueblo de Cali, donde dirigió las páginas literarias Vanguardia y Estravagario. Durante trece años fue jefe de redacción de la revista Nueva Frontera. Durante los años que precedieron su muerte estuvo a cargo de la sección de crítica literaria de la revista Semana.

En el ámbito político, María Mercedes Carranza apoyó la campaña a la presidencia de Luis Carlos Galán por medio del movimiento Nuevo Liberalismo y fue parte de la Asamblea Constituyente de 1991. En al año 1986 asumió la dirección de la Casa de Poesía Silva de Bogotá. A un nivel más personal, la triste situación del país la afectó directamente cuando su hermano Ramiro Carranza fue secuestrado por las FARC. Por esta razón, hasta poco antes de su muerte lideró una campaña por la paz que buscaba la liberación de los secuestrados.

Entre algunos de sus libros de poesía más reconocidos figuran “Vainas y otros poemas” (1972), “Tengo miedo” (1983), “Hola, soledad” (1987) y “Maneras de desamor” (1993). Adicionalmente, publicó otros libros de cuentos, antologías y un texto crítico sobre la poesía de su padre titulado "Carranza por Carranza" (1985).

Después de sufrir una larga depresión, María Mercedes Carranza se quitó la vida el 11 de julio de 2003 en su apartamento de Bogotá al tomar una sobredosis de píldoras antidepresivas. En su honor, el presidente de la época, Alvaro Uribe Vélez, declaró un minuto de silencio. Junto a su lecho de muerte, yacía un poema de su padre que leía: “Todo cae, se esfuma, se despide, y yo mismo me estoy diciendo adiós”. Tenía 58 años de edad cuando falleció.

"FIN DE VIAJE" de Jaiver Jurado

2011-11-02T06:55:00.001-07:00

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Galería Vincent Van Gogh

2011-10-19T09:31:00.000-07:00

"Los girasoles" (vaso con 15 girasoles)", 1888 - óleo sobre lienzo

"Los girasoles" de van Gogh son una de las series de pinturas más famosas del mundo. El propio van Gogh se sentía especialmente a gusto mientras pintaba los girasoles ("el girasol es propio de mí", llegó a escribir a su hermano Theo en una carta) y el único retrato de van Gogh que pintó Gauguin muestra al artista holandés pintando precisamente este tema. Es ejemplar ilustrado aquí es la primera composición con quince girasoles que realizó van Gogh, y sin duda en la que el color amarillo ("el color del sol", como decía van Gogh) está más presente en la composición. Una pintura de esta serie batió todos los records de cotización para una obra de Arte al ser vendida a un inversor japonés por casi 40 millones de dólares en marzo de 1987. Recientemente han surgido rumores sobre la posibilidad de que dicha pieza pudiera no ser de van Gogh, sino una copia de Emile Schuffenecker.

“La chambre de Van Gogh à Arles (La habitación del artista en Arles)”, 1889 - óleo sobre lienzo.

Van Gogh pintó su habitación en Arles en octubre de 1888 (Ámsterdam, Rijksmuseum Van Gogh), y un año después pintó otras dos copias mientras residía en Saint-Rémy, siendo el ejemplar mostrado aquí el más elaborado de los tres. "Esta vez es simplemente mi dormitorio" - comentó Van Gogh en una carta - "y lo único que importa es el color, lo simple le da a los objetos un mayor estilo"

“Noche estrellada”, 1889 - óleo sobre lienzo.

Una de las obras más famosas y reproducidas de van Gogh, comúnmente asociada a su creciente locura, y que en realidad es resultado de la preocupación del artista por las investigaciones astronómicas del momento. De hecho, en la pintura conviven elementos reales y fantásticos. Por un lado, un estudio del Griffith Park Observatory demostró que van Gogh representó la Luna , Venus, y varias estrellas en la posición exacta en la que se encontraban aquella noche despejada. Por otro lado, la llamativa espiral que ocupa gran parte de la obra es un elemento claramente fantástico.

“Lirios”, 1889 - óleo sobre lienzo.

Van Goh pintó esta famosa tela mientras estaba internado en el sanatorio de Saint-Rémy, donde se le permitía pintar "au plen air". Todo el lienzo es un canto a la belleza de la naturaleza, y llama la atención como el suelo rojo parece acompañar a las flores rojas de la parte posterior, a la vez que el lirio blanco encuentra un eco en una flor azul pálida de la derecha. La pintura fue vendida en Sotheby's en 1989 por 53.9 millones de dólares, entonces un precio record para una obra de Arte.

“Autorretrato con la oreja vendada” , 1889 - óleo sobre lienzo.

Este es uno de los dos autorretratos que van Gogh realizó tras seccionarse la oreja (el otro, anteriormente en la colección Leigh B. Block en Chicago, fue comprado posteriormente por la familia Niarchos). La expresión del rostro del artista es, paradójicamente, más serena que en otros muchos autorretratos del artista. Tal vez se trata de un esfuerzo del pintor por encontrar en la pintura su salvación particular, a lo que podría contribuir la presencia de una estampa japonesa en el fondo, una pintura –la japonesa- que van Gogh admiraba por “ su estilo tan sencillo como respirar.

VINCENT VAN GOGH

2011-10-19T09:05:00.000-07:00

(Groot-Zundert, Países Bajos, 1853 - Auvers-sur-Oise, Francia, 1890) Pintor holandés. Vincent Van Gogh era el mayor de los seis hijos de un pastor protestante, y mantuvo con su hermano Theo, cuatro años menor que él, una relación que sería determinante en su existencia y su trayectoria artística. La correspondencia que ambos intercambiaron a lo largo de toda la vida es el testimonio de la intensidad de esta relación.

Tras recibir una esmerada educación en un internado privado, con dieciséis años entró como aprendiz en la filial de La Haya de la galería de arte parisina Goupil & Cie., fundada por su tío Vincent; allí conoció las obras de la escuela de Barbizon.

El traslado de Van Gogh a Londres en 1873 señaló el inicio de una primera etapa creativa. Tras un rechazo amoroso, se volvió cada vez más solitario, hasta que en 1878 se vio impelido por la necesidad de entregarse a sus semejantes, y tras intentar estudiar teología, decidió satisfacer su vocación uniéndose a los mineros de la Borinage. En este período realizó una serie de dibujos de los mineros.

Hacia 1880, tras ser expulsado por su excesiva implicación, descubrió en la pintura su auténtica vocación, considerándola una vía para consolar a la humanidad. En los primeros años de la década de 1880 estudió con diversos pintores, entre los que cabe destacar a Anton Mauve. Su rápida evolución y el conocimiento de los impresionistas lo llevaron a abandonar la enseñanza académica y a reunirse con Theo en París en 1876.

Su hermano le presentó a Pissarro, Seurat y Gauguin, y esta situación coincidiría con la definición de su pintura. Su paleta se tornó definitivamente colorista y su visión, menos tradicional, dando forma a su personal visión del postimpresionismo. Su interés por el color y por la captación de la naturaleza lo indujo a trasladarse a Arles, donde su obra fue progresivamente expresando con mayor claridad sus sentimientos sobre lo representado y su propio estado mental.

Con la pretensión de crear el grupo de los «impresionistas del sur», Van Gogh alquiló una casa donde invitó a los artistas con quienes compartía intereses y en la que Gauguin pasaría dos meses. La primera crisis mental, en la que se cortó parte de la oreja izquierda, tuvo lugar en la Navidad del mismo año 1888.

En abril del año siguiente, ante el temor a perder su capacidad para trabajar, pidió ser ingresado en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence donde permaneció doce meses. Tras sufrir diversos ataques y ante la imposibilidad de salir al exterior a pintar, realizó obras relacionadas con el hospital, retratos de médicos y reinterpretaciones de obras de Rembrandt, Delacroix y Millet.

La pérdida de contacto con la realidad y una progresiva sensación de tristeza son las claves de este período en el que Van Gogh desarrolló un estilo basado en formas dinámicas y en el uso vigoroso de la línea, de lo cual resultó una pintura más intrépida y visionaria que la de Arles.
Sin conseguir superar el estado de melancolía y soledad en que se encontraba, en mayo de 1890 se trasladó a París para visitar a su hermano Theo. Por consejo de éste, viajó a Auvers-sur-Oise, donde fue sometido a un tratamiento homeopático por el doctor, y pintor aficionado, Paul-Ferdinand Gachet.

En este pequeño pueblo retrató el paisaje y sus habitantes, intentando captar su espíritu. Su estilo evolucionó formalmente hacia una pintura más expresiva y lírica, de formas imprecisas y colores más brillantes. Pese a que unos meses más tarde el doctor Gachet consideró que se encontraba plenamente curado, su estado de ánimo no mejoró debido a los sentimientos de culpa provocados por la dependencia de su hermano Theo y por su fracaso profesional. Sumido en esta situación de angustia, el 27 de julio Van Gogh se descerrajó un disparo en el pecho; murió dos días más tarde.

VAN GOGH TRÍPTICO

2011-10-11T12:06:00.000-07:00

VAN GOGH TRÍPTICO

2011-10-11T11:55:00.000-07:00

Esta surge de la pulsión que tenemos por el artista, la narración se plantea como una secuencia de personajes que se suceden y cruzan unos a otros, la acción no existen aquí, entendida como desencadenamiento de la anécdota. Ya que la obra se inspira en la performance y la plástica que develan esos personajes en su trasegar por el escenario, ellos en definitiva son portadores de un mensaje evocador, de unas palabras que faltaron por decir. El texto es un poema personal de esas visiones que podría tener el pintor, a la cual mezclamos poemas de Jacobo Fijman, A. Rimbaud contemporáneo de Van Gogh y en especial del inmortal William Shakespeare, quien ilumino constantemente al pintor.

El Tiempo se traduce en luz y música revoloteando sin orden, tensando las relaciones poéticas de los personajes. Un villancico, una polka, coros. melodías clásicas, medievales, una mixtura sensual que da contorno a la escena mientras esta se expresa en el fulgor lumínico.

"LOS SIETE CONTRA TEBAS"

2011-09-01T18:45:00.000-07:00

Invitados especiales Sèptima Fiesta de Las Artes Escènicas "CALI TEATRO"

Siendo Layo, rey de Tebas, desea un hijo, pero su mujer Yocasta, sigue estéril. Tres veces acude al Oráculo y las tres veces le ordena el Oráculo renunciar a ello, ya que su descendencia será la perdición de Tebas. Layo, sin embargo, no renuncia y Yocasta acaba por ser madre.

Layo comprende entonces su falta y lleno de terror manda a matar al niño el cual por compasión de un labriego se salva. Edipo crece lejos de Tebas y un día, en el cruce de tres caminos, sin saberlo se encuentra con su padre, se presenta un altercado y lo mata. Luego de vencer Edipo a la Esfinge, se casa con Yocasta, es nombrado rey de Tebas y tienen cuatro hijos: Antígona, Ismena, Eteocles y Polinices.

Ya mayores llegan a conocer la terrible verdad: Edipo ha cometido a la vez un parricidio y un incesto. Yocasta se da muerte. Edipo se saca los ojos. Sus hijos lo encierran en un calabozo. Edipo lanza contra ellos una maldición: se repartirán sus bienes con armas en la mano.

Y así es, en efecto. Muerto Edipo, estalla la discordia entre sus hijos. Polinices se marcha a Argos donde recluta un ejercito para reconquistar sus derechos al trono de Edipo. Siete jefes enemigos aparecen ante las siete puertas de Tebas. Pero el ejercito argivo es rechazado, los siete jefes muertos, y Eteocles y Polinices se matan el uno al otro. Tebas se ha salvado, pero sus dos reyes han muerto.

Ùnicas presentanciones

2 de Septiembre a las 5:00 p.m. y 8:00 p.m.
3 de Septiembre a las 8:00 p.m.

Lugar: Teatro Oficina Central de los Sueños
Cr. 43 Nª 52 - 50 Diagonal al Parque del Periodista
Informes y Reservas al Tel. 239 41 79.

www.teatrooficinacentraldesuenos.com
www.twitter.com/teatrooficina

Actores en Escena "EL ANIMADOR"

2011-08-15T14:40:00.001-07:00

¡¡¡Ya viene!!!

la Séptima Fiesta de las Artes

Carlos secuestra a Marcelo Ginero, presidente del canal 9, ya que le parece que es inadecuada la manera como terminó la novela “Arráncame la vida”. Esta tragicomedia hace una seria crítica a los medios de comunicación y a la forma como éstos llevan al consumidor a un estado de inconsciencia.

"EL ANIMADOR, a través de una trama que por momentos causa risa y en otros tiene matices dramáticos, enjuicia el poder de encantamiento que tiene la televisión, la cual siempre seductora, puede llegar a confundir muchas vida"

“Todo el mundo se sienta noche tras noche frente al televisor para creer ¡Sí, para creer! ¡Y crees carajo, crees! Y te importa un carajo amar a tu prójimo como a ti mismo”

Duración: 60 minutos

Unicas presentanciones: 31 de Agosto 8:00 p.m. y 1 de Septiembre 5:00 p.m. y 8:00 p.m.

Teatro Oficina Central de los Sueños

Cr. 43 N° 52 - 50 Diagonal al Parque del Periodista

Informes y Reservas 239 41 79.

Boletería: $ 10.000 Todo el público.

Ático Teatro "COMO LA VIDA MISMA" de Yolanda Pallín

2011-08-15T13:10:00.000-07:00

Muestra los conflictos que tenemos día a día los seres humanos, el no podernos soportar unos a otros, la falta de afecto, donde la condición es el que sobrevive a costa del otro. La Escuela Superior Tecnológica Débora Arango; con su programa de teatro nivel VI, en la creación de personaje; los cuales han mantenido a lo largo de la carrera el ser dramaturgos y poder montar lo escrito por los mismos estudiantes, esta vez es una adaptación de un texto de teatro contemporáneo llevado por los actores a mano del docente y director de teatro, donde se busca el riesgo de la actuación en los personajes con tintes dionisiacos y matices apolíneos.

La urbe de algún lugar en el mundo capitalista, muestra a los seres en la insatisfacción personal que no se localiza en lo material, provoca emociones primarias, conflictos que los actores se acercan en la escena a resolver en una línea dramática, sin caer en lo ridículo, puesto que se trabaja el naturalismo rozado con el expresionismo. La atmósfera citadina está llena de claros-oscuros mostrando ese submundo interno de los personajes, ese ser invisible llamado impulso de las emociones, el bajar al dolor del alma y darlo al espectador. No se pretende caer en la superficialidad de la condición humana, es más el tratar de entendernos los unos a los otros.

Temporada los días: 18, 19 y 20 de Agosto de Jueves a Sábado a las 8 p.m.

Boletería: $ 7.000 Estudiantes, Discapacitados y Adultos Mayores. $ 14.000 Público General.

Dirección: Cr. 43 N° 52-50 Diagonal al Parque del Periodista

Informes y Reservas al Tel. 239 41 79.

Esta historia se cose al estilo sastre - El Colombiano

2011-05-20T06:37:00.000-07:00

Esta historia se cose al estilo sastre - El Colombiano

Esta historia se cose al estilo sastre

CINCO ANCIANOS están a punto de perder la sastrería. Un edificio espera ser construido justo allí. Y en medio del drama, y la misma comedia, se van confesando. Una historia de resistencia, memoria y modernidad en el Teatro Oficina Central de los Sueños.

Mónica Quintero Restrepo | Medellín | Publicado el 20 de mayo de 2011

Las viejas máquinas están ad portas de dar sus últimas puntadas al estilo sastre. A los cinco señores, ya con los años encima y las canas y las gafas y el sombrero y hasta la calvicie, les han dicho que deben irse. Que la casa vieja, la de toda la vida, la van a demoler.

Cinco ancianos (uno que aparece de repente y a veces), indefensos ellos (o eso parecen), se van confesando mientras pasan las últimas horas que les queda de vida, bueno, que les queda de casa.

Están en bancarrota, la sastrería se las van a quitar y son unos viejos que muchos dirían decrépitos. Y si se van, ni siquiera les va a quedar la cotidianidad. Esa de estar cosiendo mientras al fondo la radio hace de las suyas con la música y las noticias.

La idea de la obra Eternidad o la larga vida de los sastres le llegó a Jaiver Jurado cuando tuvo la oportunidad de entrar, más de fondo, en una sastrería del centro de la ciudad. También vio peluquerías y otros lugares que parecen al borde de la extinción.

Observó, escuchó conversaciones, los vio como espacios que se resisten fuertemente a las transformaciones urbanas, escribió el guión, se ganó la beca de creación en dramaturgia y el año pasado, con su grupo, el Teatro Oficina Central de los Sueños, pensaron que era interesante llevarla a escena. Y están de estreno.

"Queremos construir una dramaturgia propia y apuntarle a temas de resistencia, memoria e identidad, bajo el crisol de la poesía", explica Jaiver, quien es el director y guionista.

Con Eternidad pasa precisamente así. Una mirada a esos lugares que se resisten a desaparecer, pero también a los que la modernidad y los jóvenes, inevitablemente, los van permeando o mezclando.

Por la sastrería pasa el vendedor, la punkera, el niño indigente, la viuda. Y entre todos se "va creando una mezcla humanística bastante exótica e inquietante. Te está hablando del devenir, de la decadencia, de lo que ya se acaba". No importa que hayan historias y frustraciones propias.

La vida misma
Cuando llega el último día para estar en la casa, los cinco ancianos, en medio de la preocupación reinante, y de treinta años de convivencia, conversan al ritmo del tango, del aguardiente, del humo del cigarrillo. De los recuerdos.

Les alcanza incluso para que la sastrería se convierta en un lugar bohemio, inesperado, dramático y cómico. Todo al tiempo.

Y hay un juego con la música y la iluminación, que son fundamentales dentro de la historia misma.

La que se escucha durante la hora y quince minutos que dura la puesta en escena, en parte la ha hecho el grupo y otra es muy universal. Las luces le hacen hincapié a las rupturas. Por cada sastre hay un quiebre poético, muy develador.

Los viejos están cosiendo. El lugar es cíclico, la conversación es la de todos los días, las máquinas suenan igual que siempre. Entonces llegan los problemas, el desalojo, la preocupación, las copas, el cigarrillo, la resistencia, las risas viejas. "¡Qué vengan y nos desalojen, si son tan berracos".

2011-05-10T10:49:00.001-07:00

SUEÑO EN LA LUNA

2011-03-22T16:53:00.000-07:00

La Oficina Central de los Sueños incursiona en nuevas técnica del Teatro de Muñecos como el Teatro de Sombras y los títeres de varillas con mecanismos, propuesta que avanza nuestras exploraciones artísticas combinadas con la música y el teatro en vivo, todo esto adobado con una dramaturgia propia.

La historia de Lilita y Capeto dos niños que viven en el campo y que motivados por las historias que le cuenta su abuelo Pomponio, llenan sus vidas de una hermosa fantasía que los lleva a insólitos viajes de títeres a la luna y de extraños seres lunáticos que los acosan en sueños.

Es a la manera de las historias clásicas infantiles un viaje de aventuras por mundos y seres traídos de una rica tradición literaria.

Las sombras chinescas, técnica antigua, fascinante y compleja se asume como un reto. La música en vivo ejecutan por los actores titiriteros, permite avanzar ese ideal del teatro como un arte integral.

Duración: 55 minutos.

Oficina Central de los Sueños Parte II AMERIKA de Franz Kafka

2011-03-22T13:50:00.000-07:00

Oficina Central de los Sueños Parte I "AMERIKA" de Franz Kafka

2011-03-22T13:49:00.000-07:00

Biografìa de Franz Kafka

2011-03-08T08:00:00.000-08:00

(Praga, 1883 - Kierling, Austria, 1924) Escritor checo en lengua alemana. Nacido en el seno de una familia de comerciantes judíos, Franz Kafka se formó en un ambiente cultural alemán, y se doctoró en derecho. Pronto empezó a interesarse por la mística y la religión judías, que ejercieron sobre él una notable influencia y favorecieron su adhesión al sionismo.

Su proyecto de emigrar a Palestina se vio frustrado en 1917 al padecer los primeros síntomas de tuberculosis, que sería la causante de su muerte. A pesar de la enfermedad, de la hostilidad manifiesta de su familia hacia su vocación literaria, de sus cinco tentativas matrimoniales frustradas y de su empleo de burócrata en una compañía de seguros de Praga, Franz Kafka se dedicó intensamente a la literatura.

Su obra, que nos ha llegado en contra de su voluntad expresa, pues ordenó a su íntimo amigo y consejero literario Max Brod que, a su muerte, quemara todos sus manuscritos, constituye una de las cumbres de la literatura alemana y se cuenta entre las más influyentes e innovadoras del siglo XX.

En la línea de la Escuela de Praga, de la que es el miembro más destacado, la escritura de Kafka se caracteriza por una marcada vocación metafísica y una síntesis de absurdo, ironía y lucidez. Ese mundo de sueños, que describe paradójicamente con un realismo minucioso, ya se halla presente en su primera novela corta, Descripción de una lucha, que apareció parcialmente en la revista Hyperion, que dirigía Franz Blei.

En 1913, el editor Rowohlt accedió a publicar su primer libro, Meditaciones, que reunía extractos de su diario personal, pequeños fragmentos en prosa de una inquietud espiritual penetrante y un estilo profundamente innovador, a la vez lírico, dramático y melodioso. Sin embargo, el libro pasó desapercibido; los siguientes tampoco obtendrían ningún éxito, fuera de un círculo íntimo de amigos y admiradores incondicionales.

El estallido de la Primera Guerra Mundial y el fracaso de un noviazgo en el que había depositado todas sus esperanzas señalaron el inicio de una etapa creativa prolífica. Entre 1913 y 1919 Franz Kafka escribió El proceso, La metamorfosis y La condena y publicó El chófer, que incorporaría más adelante a su novela América, En la colonia penitenciaria y el volumen de relatos Un médico rural. Falleció el 3 de junio de 1924.

AMERIKA por Kafka mismo

2011-03-08T06:56:00.000-08:00

2 de Mayo de 1912.

En contra de toda tranquilidad me aferro a mi novela,como la estatua de un monumento que hunde su mirada en la lejania y se agarra al pedestal.

Jungborg, 10 de Julio de 1912. Kafka a Max Brod

La novela es tan grande,como proyectada sobre el cielo entero, y ademas me enredo ya con la primera frase que quiero escribir. Ya me he dado cuenta que no debo dejarme influir por el estado desconsolador de lo ya escrito.

Praga, noviembre de 1912. Kafka a Felice Bauer

No solo por ello le escribire unas cartas breves, sino tambien por el hecho de que hasta el ultimo aliento quiero entregarme a mi novela, que en definitiva tambien le pertenece a usted. La historia que estoy escribiendo, y que esta planeada hacia lo infinito, se titula para darle una idea provisional, El Desaparecido y se desarrolla exclusivamente en los Estados Unidos de Norteamerica; por el momento han quedado concluidos cinco capitulos. Se trata del primer trabajo de envergadura que despues de quince años de tormento desconsolador, con escasas excepciones, me hace sentir seguro desde hace unmes y medio. Es preciso por tanto terminar esta historia,usted misma lo desearia asì ¿Esta usted deacuerdo? ¿Y por consiguiente no me abandonara usted a mi -apesar de todo- terrible soledad?

Praga, 28 de Noviembre de 1912. Kafka a Felice Bauer

En el curso de muchos años solo he llorado una vez, hace dos o tres meses. Pero en esta ocasion me sobrevino dos veces consecutivas, estando sentado en mi sillon. Temi que los indomables sollozos pudieran despertar a mis padres en la habitacion contigua; era de noche y la causa de todo fue un pasaje de mi novela.

Conversacion de Kafka con Gustav Janouch (1920)

Kafka dijo: - Dickens es uno de mis autores preferidos. Sì,durante algun tiempo incluso fue prototipo de aquello que yo intentaba alcanzar en vano. Su querido Karl Rossman (Protagonista de Amerika) es un lejano pariente de David Copperfield y Oliver Twist.

Praga, 2 de Enero de 1913. Kafka a Felice Bauer

Querida: Te pido con las manos alzadas que no sientas celosde minovela. Cuando los personajes en la novela se dan cuenta de tus celos, se me escapan, mas aun cuando apenas los tengo agarrados por la punta de sus vestidos. Y ten encuenta que, si se me escapan, tendria que correr tras ellos, aunque fuera hasta el mundo de las tinieblas, su verdadero hogar. La novela soy yo, mis historias soy yo.

"Una Temporada en el Infierno"

2011-02-19T10:55:00.000-08:00

Una Temporada en el Infierno

Algunas fotos de Jean-Nicolas Arthur Rimbaud

2011-02-03T08:55:00.000-08:00

Jean- Nicolas Arthur Rimbaud

Primera Comunion de Arthur Rimbaud

Arthur en Harrae en 1883

Manuscrtio del Poema "Vocales"

Arthur Dibujado por Paul Verlaine

Arthur Descanza en Charleville, Francia

BIOGRAFIA DE ARTHUR RIMBAUD

2011-02-03T08:48:00.001-08:00

Arthur Rimbaud nació en Charleville (Francia), el 20 de Octubre de 1854.

En 1862 estudió en el Colegio Rossat, y posteriormente en un colegio público, donde comenzó a escribir poemas, publicados en algunas revistas y consiguiendo algunos premios. En 1870 comenzó una vida bohemia y aventurera, viajando a París y Bruselas. En 1971, volvió a París, estableciendo una relación homosexual con Paul Verlaine, relación de amor–odio, rodeada de drogas y sexo. Concluida la relación, viajó por diferentes países europeos mientras escribía. En 1880, dejó de escribir, y viajó por África, trabajando como comerciante e incluso traficando con armas. En 1891 regresó a Francia, donde murió de un cáncer de hueso.

Está considerado como la cumbre del simbolismo francés, precursor de la poesía moderna; su obra es decadente y sensual.

Teatro Oficina Central de los Sueños: Eternidad

2010-10-06T19:00:00.000-07:00

Eternidad o La Larga Vida de los Sastres

Eternidad

2010-10-06T18:53:00.000-07:00

Teatro Oficina Central de los Sueños: SEXTA FIESTA DE LAS ARTES ESCÉNICAS

2010-08-31T10:57:00.000-07:00

Teatro Oficina Central de los Sueños: SEXTA FIESTA DE LAS ARTES ESCÉNICAS: "ENCUENTRO EN EL PARQUE PELIGROSO Actores en Escena Manizales La Fundación Cultural Actores en Escena fue creada hace 16 años en Manizales ..."

SEXTA FIESTA DE LAS ARTES ESCÉNICAS

2010-08-31T10:42:00.000-07:00

ENCUENTRO EN EL PARQUE PELIGROSO

Actores en Escena
Manizales

La Fundación Cultural Actores en Escena fue creada hace 16 años en Manizales por actores profesionales, como una nueva alternativa para el movimiento teatral de la ciudad. Desde su fundación tienen una escuela de Teatro cuyo objetivo principal es fomentar en la juventud la afición y el amor por la artes escénicas.

Con la dramaturgia del Venezolano Rodolfo Santana y bajo la dirección del Jairo Camargo, Actores en Escena nos propone Encuentro en el Parque Peligroso, una critica al mundo actual, que se aleja de su naturaleza humana. Un parque que ha cambiado y que funciona como metáfora de un planeta que poco a poco se destruye.

Unicas Funciones el Martes 31 de Agosto y Miercoles 1 de Septiembre a las 8 p.m.

Lugar: Teatro Oficina Central de los Sueños.

Cr. 43 N° 52 50 Diagonal al Parque del Periodista

Boleteria: $ 7.000 Publico General.

Descuento del 30% para los afiliados a Comfama presentando el Carné.

Informes y Reservas a los Telefono 239 41 79 o al 239 06 20

www.medellinenescena.com

www.teatrooficinacentraldesuenos.com

www.twitter.com/sextafiesta

www.twitter.com/teatrooficina

Comercial Sexta Fiesta de las Artes Escènicas

2010-08-13T12:14:00.000-07:00

De Samuel Beckett

2010-07-31T15:07:00.000-07:00

KRAPP La Ultima Cinta

"Ultimas horas de la tarde dentro de algùn tiempo"

Pieza teatral escrita por Samuel Beckett en 1958. Obra en un acto para un personaje y una grabadora, el protagonista, Krapp, un viejo achacoso, grotescamente ataviado, tiene 69 años y es un escritor fracasado, que el dìa de su cumpleaños escucha las cintas magnetofònicas de 30 años atràs, en busca de la dicha recordada.

La cinta lleva al viejo Krapp la voz de un Krapp sano, de treinta y nueve años, que habìa padecido por la soledad y las tinieblas que siempre lo persiguen. Este Krapp joven està en la edad indicada para hacer un primer balance de su vida. Krapp en el escenario y Krapp en la cinta, la paradoja humana del tiempo de los propòsitos.

El viejo se revuelve en su pasado, en las cintas -en su memoria- en busca de lo que haya valido la pena, tropieza con el otro Krapp, treinta años mas joven que ha llegado a ser un extraño para èl, que escuchò cintas, buscando algo que hubiera valido la pena: el presente no tiene nada que ofrecer y los mejores años fueron aquellos en que aùn era posible ser feliz. Pero ahora esta felicidad -hasta donde puede existir- es tan solo una felicidad recordada.

El viejo Krapp solo puede tenderse en la oscuridad en la vivia cuando era joven y trata de desandar lo andado: vuelve a ser, vuelve a ser. Al final solo le queda un momento de la cinta pasada que despierta su Eros, nada màs que Eros. ¿Es esto mucho, es esto poco? Krapp no nos lo dice. Se limita a mirar inmovìl, al vacìo, mientras la cinta sigue girando silenciosamente.

"Espiritualmente, un año de lo màs negro y pobre hasta aquella memorable noche de marzo, en el extremo del muelle, bajo el ventarròn, jamàs lo olvidarè, en que todo se me aclarò. Al final la revelaciòn. Me imagino que esto es sobre todo lo que debo grabar esta noche, pensando en el dìa en que mi labor como escritor estè concluìda...(vacila)...Para el fuego que la abrazò".

Extracto de Krapp La Ultima Cinta.

El Postre Hora 13 Noticias Julio 13.wmv

2010-07-13T17:15:00.000-07:00

UNA TEMPORADA EN EL INFIERNO

2010-06-28T09:58:00.001-07:00

Arthur Rimbaud 1854- 2010

"Espero a Dios con gula, soy de raza inferior desde la Eternidad"

Homenaje en los 156 años de su nacimiento.

Poemario escrito en 1873 por Arthur Rimabud, a sus 19 años de edad. 9 Poemas constituyen este grito polifònico y simbolista que partirà toda la poesìa venidera. Su potencia, colorido y locura destellan con igual fuerza aùn hoy despùes de 131 años de su primera publicaciòn de Bruselas. Con Rimbaud naciò la poesìa moderna.

Luego de esta ùnica publicaciòn en vida., Rimbaud viajò incansablemente como poseìdo, maldiciendo la poesìa. Visitò muchos paìses (nòrdicos, orientales, regiones exòticas) para finalmente anclar su Barco Ebrio, en los puertos ardientes de Afrìca, en una pequeña ciudad distante al Mar Rojo: Harar, punto de traficantes de mercancìas y esclavos, desde allì radicado en una casa comercial, el genio de la literatura del Siglo XIX, se aislò totalmente del mundo artìstico. Luego como cuentan sus biògrafos, lo veremos en medio del desierto dirigiendo grandes caravanas en regiones azotadas por tribus salvajes.

Arthur Rimbaud muere a los 37 años en el puerto de Marsella, sur de Francia, en el hospital de la concepciòn, despùes de amputàrsele una pierna. Ya es famoso en Parìs, y su literatura empieza a extenderse ràpidamente.

Para una ciudad como la nuestra, amante de la poesìa, Rimbaud significa lo esencial de ese encuentro entre la palabra y la acciòn. Ese desbarajuste enterior a que se hace necesario llevar nuestra conciencia, la necesaria revitalizaciòn de la poesìa actual, convertida en espectàculo y objeto de uso, de moda. Eslo que entre otras muchas cosas nos anima a pasar "Una Temporada en el Infierno" por medio del artes escènico, la alquimia que nos lleva a encontrar la plasticidad, su atmòsfera, y los personajes fantasmales de su cosmogonìa interior, precipitàndonos a crear nuevos lenguajes teatrales.

Direccion y Dramaturgia: Jaiver Jurado.

AMERIKA A LOS OJOS DE KAFKA

2010-06-09T07:49:00.000-07:00

La Metro La Movida

Todo el mes de junio de jueves a sábado a las 8 de la noche se presentará esta obra en el Teatro Oficina Central de los Sueños
Amerika a los ojos de Kafka

Esta obra es uno de los montajes bandera de esta casa. Fotos Cortesía.
Autor: Diana Carolina Mejía Chaverra

Aunque Kafka decidió llamarla El desaparecido, fue finalmente Amerika el nombre con el que el mundo conoció esta obra inusual del checo. Sólo un genio de las letras como Kafka pudo describir tan fielmente un lugar que nunca conoció, y un drama que no vivió: la inmigración al Nuevo Mundo.

Kafka; el nombre (y el hombre) de la desesperanza, del desasosiego, del dolor de la existencia, de la angustia y del sinsabor, expresados en grandes tesoros de la literatura como Cartas al Padre, El proceso, La metamorfosis y Muralla China, sin embargo dejó, entre su no muy prolífica pero sí intensa obra, un libro, no tan pequeño, en el que a diferencia de su restante producción literaria, abre una pequeña brecha de esperanza y se permite sutilmente vislumbrar la felicidad tras una divagación por el pedregoso camino de la vida.

Amerika es el título que recibe este kafkiano singular que el Teatro Oficina Central de los Sueños trae para su nueva temporada.

“Retomamos un texto de Kafka, que es una obra que él escribe más o menos en 1913 a partir de un cuento llamado El Fogonero. Él lo rehace y escribe esta gran novela. Esta es la historia de un alemán de 16 años que debe exiliarse de su país debido a que embarazó a una sirvienta, y va entonces tras el sueño americano, así como lo hicieron tailandeses asiáticos, chinos, turcos, en fin”, explica Jaiver Jurado, director, sobre este montaje que fue ganador de Beca de Creación de la Alcaldía en el 2004.

“En ese momento de eclosión económica tan fuerte, este joven llega allí, desembarcando de un gran barco, da inicio así a un periplo que incluye algunas experiencias cómicas y otras más trágicas, muy al estilo de David Copperfield o Tom Sawyer. Aventuras de juventud, de ese espíritu rebelde muy a lo Balzac”, indica Jaiver, destacando que esta novela rompe totalmente con el esquema conocido de Kafka, lo cual hace de esta obra una que hay que conocer para comprender realmente al escritor en toda su dimensión, que abarcó, para sorpresa de muchos, una obra de este estilo, llena de matices y de un perenne sentimiento de esperanza.

“Al final, después de muchos sinsabores, llega el personaje principal a Oklahoma, un lugar al que todos son bienvenidos. Max Brod, biógrafo, en las notas sobre la novela, dice que Kafka le abrió el cielo a este personaje, reencontrándolo con sus padres y dándole un trabajo, regalándole algo así como la felicidad, algo no usual en Kafka”. Expresa el director que es como un acto de compasión de Kafka por este desventurado, “el autor se compadece un poco y le construye un paraíso imposible, se da la libertad de romperse a sí mismo”, apunta.

La puesta en escena

Esta obra, que ha sufrido una reinvención después de su estreno inicial hace varios años, ofrece grandes momentos de teatralidad, y según cuenta Jaiver, tiene una gran posibilidad de personajes y de escenarios gracias a que su narración se nutre a partir de episodios colmados de personas, de sensaciones y de acciones. “Lo que hacemos es recoger los personajes y caracterizarlos con muchas acotaciones de una riqueza impresionante, lo cual le da mucha fuerza al montaje, inmerso todo en un universo kafkiano con una escenografía muy contemporánea”. Así, son en total 8 actores haciendo más o menos 40 personajes, todos pintorescos, todos profundos, y todos cargados de elementos que ayudan a comprender al pesimista, que en esta obra no lo es tanto, de Kafka.

“Acá el espectador asiste a una obra interesante, aventurezca y muy dinámica. A una observación aguda sobre la construcción de los personajes. Cuando el público se entera que Kafka nunca conoció Estados Unidos, se sorprende de la fidelidad con la que él describió a este imperio. Es una obra visionaria que planteó desde ese momento lo que sería este país”.

La obra se estrena tras el arribo del grupo a Medellín, luego de una exitosa gira nacional que incluyó a Bogotá y Sincelejo.

El exilio

Este es el gran tema y la gran reflexión de esta obra: el exilio, el éxodo. El partir, las búsquedas, los abandonos, las ganancias y las pérdidas. Los descubrimientos y las ausencias. “El ser humano tiene en la genética el ser exiliado y exiliador, (si no existe esa palabra habría que proponerla porque es algo que existe). El exilio a causa de la guerra, o en pos del dinero. En cualquier lado el hombre o es exiliado o exiliador. Algunos, incluso, se exilian hacia adentro, y eso nos sucede a los artistas, tenemos que padecer muchas veces el exilio de una sociedad que considera que todo esto es fútil”.

Rescate - La obra

Traicionando el deseo de Kafka de que sus manuscritos inéditos fuesen destruidos cuando él muriera, Max Brod, el albacea de su obra, su amigo y biógrafo, rescató Amerika (América en alemán) de la hoguera y fue el último de sus libros en ser publicado. Esta obra tardíamente vio la luz, y según Jaiver Jurado, director y dramaturgo de este montaje, Amerika sigue siendo una desconocida a la cual se le debe justicia.

AMERIKA de Franz Kafka

2010-05-24T14:51:00.000-07:00

AMERIKA
(El Desaparecido)

Por Jaiver Jurado

Volver a kafka, reconvenirse en un lenguaje amplio y poderoso, acercarse a la cueva del minotauro, esculcar las gavetas del tiempo, husmear sus cartas de amor? a Felice B., a Milena Jesenkà, escuchar sus profundas meditaciones frente al Joven Gustav Janouch, o Maxbrod, leer, leer atrapados sus inevitables desenlaces en el artista del Hambre, del trapecio, Josefina en el pueblo de los Ratones, la esquizofrenica despedida de Joseh K. deambular sin fin aquello que llaman lo Kafkiano, lo insondable, lo abismal. Vovel a ese aroma hermoso y desesperante es hoy lo que nos convoca en esta velada teatral.

El periplo de su protagonista Karl Rossmasnn muchacho de 16 años proscrito por sus padres a tierras extrañas, a la mejor manera de los personajes Dickesianos, es un andar sin destino, un azar tràgico, en medio de los paisajes humanos màs grotescos que desbordan el naturalismo de la novela, es la memoria de un sueño de Kafka, de algo que quizà era la realidad.

EL DESAPARECIDO
Como se llamò inicialmente la obra, tambièn podria estar inspirada secretamente en la mejor tradicion Jasìdica, esa hermosa literatura patriarcal hebrea que tanto leyò nuestro autor, aunque Rossmann no es propiamente un personaje judìo, "Nosotros los judìos, nacemos ya viejos" (agregarìa Franz Kafka). O ser una variante de la llamada novela de formacion o educaciòn sentimental a la manera de Flaubert o Goethe, de las que Kafka tanto querìa, o en fin "una grana payasada" donde toda empresa termina bajo el signo de la fantasìa, la confusiòn y la fàbula, al decir de Walter Benjamin. Es tambien una exòtica profecìa sobre la gran naciòn del norte, una mirada lanzada desde lo màs recòndito para casi describir un paìs ficcionadamente real.

FIN DE VIAJE

2010-04-21T12:54:00.000-07:00

FIN DE VIAJE

Dirección y Dramaturgia: Jaiver Jurado

Por: Jaiver Jurado

Desde hace algunos años nuestro grupo ha querido poner en escena obras e historias de los poetas colombianos, aunque lo hemos intentado algunas veces, este anhelo se ha visto extrañamente atrasado por pulsiones y senergias que nos lanzaban por caminos distintos, tal vez creemos era necesaria esa distancia inicial, las cosas en el arte asumen lógicas contrarias a las de la propia naturaleza dialéctica, fue asi como emprendimos el camino hacia un tetro que hemos denominado poético, degustando entre otros la palabra abismal de Sylvia Plath en poema para tres mujeres, la profunda cosmogonia de Arthur Rimbaud, en una temporada en el Infierno, sintiendo la inmensa soledad a que nos invita Samuel Beckett en Krapp la ultima cinta, también cristalizando uno de nuestros sueños: Van Gogh el poeta del color, de igual forma Amerika de Kafka y Lorca en fin, una pléyade de artistas de la sonoridad y la plastica.

Hoy después de ese deambular nos hemos detenido en in crece de caminos llamado poesía colombiana y desde una perspectiva nueva nos hemos adentrado en la tarea recóndita de revisar autores, tendencias y épocas muy de la mano de Oscar González nuestro asesor literario, provocador de delirios y profundas reflexiones en el grupo.

Después de hacer una selección infernal nos quedamos con Jose Asuncion Silva, Porfirio Barba Jacob, León de Greiff, Gonzalo Arango y Maria Mercedes Carranza, ellos son los personajes poetas, protagonistas de Fin de Viaje, ellos habitaron durante un siglo cada uno a su turno la geografía colombiana, sus poéticas fueron el telón de fondo de un país fraticida e indolente de la que lograron abstraer mundos coloridos, trágicos y novedosos, regalandonos nuevos perfumes y miradas caleidoscópicas de su convulsa y esperpéntica realidad, con todo eso y con sus vidas hemos armado un mundus una antología de textos que el instinto nos fue llevado hacia otras exploraciones artísticas frente al tiempo y espacio como conceptos más amplios y allí han quedado ellos atrapados en nuestra dramaturgia.

Fin de Viaje no es entonces, un homenaje a la poesía colombiana, ni un sartal de biografías, ni un recital esotérico de estos autores, es un extrañamiento ficcionado un poco a lo Dante, que muestra al poeta su destino, a dónde van los poetas?, esos seres especiales y trágicos, que lugar los acogería lejos de tiranos y hasta de sus propios congéneres como don Francisco de Quevedo y Villegas que sin empachos decia en su libro "sueños": los poetas por su osadía deben ir enjaulados a los porfundos infiernos y como castigo deben recitarse unos a otros sus propios versos eternamente.

Fin de Viaje es también una mirada desapasionada y profunda sobre la poesía colombiana del último siglo, la cual ha padecido no solo el embate de las tendencias de todo tipo abrumándola, si no que es la invitacion a revelar las desventuras políticas e intereses mezquinos que embargan permanentemente a nuestro país.

Esta obra inicia una nueva etapa de nuestro grupo que ha 12 años de existencia busca consolidar su propia dramaturgia, su manera de hablarle a un público que también creemos ha cambiado y que necesita nuevas formas expresivas desde el teatro, buscando con empeño nuestra propia edentidad como artistas y como colombianos.

¿Que enigma tendremos que decifrar nosotros los poetas, ahora que estamos muertos?

27 DE MARZO DIA INTERNACIONAL DEL TEATRO

2010-03-26T09:19:00.000-07:00

MANIFIESTO

(LATENTE)

DEL TEATRO FRONTERIZO 1977

Hay territorios en la vida que no gozan del privilegio

de la centralidad.

Zonas extremas, distantes, limítrofes con lo Otro, casi

extranjeras.

Aún, pero apenas propias.

Áreas de identidad incierta, enrarecidas por cualquier

vecindad.

La atracción de lo ajeno, de lo distinto, es allí intensa.

Lo contamina todo esta llamada.

Débiles pertenencias, fidelidad escasa, vagos arraigos

nómadas.

Tierra de nadie y de todos.

Lugar de encuentros permanentes, de fricciones que

electrizan el aire.

Combates, cópulas: fértiles impurezas.

Traiciones y pactos. Promiscuidad.

Vida de alta tensión.

Desde las zonas fronterizas no se perciben las

fronteras.

Hay –lo ha habido siempre- un teatro fronterizo.

Íntimamente ceñido al fluir de la historia, la Historia,

sin embargo, lo ha ignorado a menudo, quizá por su

adhesión insobornable al presente, por su vivir de

espaldas a la posteridad. También por producirse fuera

de los tinglados inequívocos, de los recintos

consagrados, de lo compartimentos netamente serviles

a sus rótulos, de las designaciones firmemente

definidas por el consenso colectivo o privativo.

Teatro ignorante a veces de su nombre, desdeñoso

incluso de nombre alguno. Quehacer humano que se

muestra en las parcelas más ambiguas del arte; de las

artes y de los oficios. Y en las fronteras mismas del

arte y de la vida.

Oficio multiforme, riesgo inútil, juego comprometido

con el hombre.

Es un teatro que provoca inesperadas conjunciones o

delata la estupidez de viejos cismas, pero también

destruye los conjuntos armónicos, desarticula

venerables síntesis y hace, de una tan sola de sus

partes, el recurso total de sus maquinaciones. De ahí

que con frecuencia resulte irreconocible, ente híbrido,

monstruo fugaz e inofensivo, producto residual que

fluye tenazmente por cauces laterales. Aunque a veces

acceda a servir una Causa, aunque provisionalmente

asuma los colores de una u otra bandera, su vocación

profunda no es la Idea o la Nación, sino el espacio

relativo en que nacen las preguntas, la zona indefinida

que nadie reivindica como propia. Una de sus metas

más precisas –cuando se las plantea- sería suscitar la

emergencia de pequeñas patrias nómadas, de efímeros

países habitables donde la acción y el pensamiento

hubieran de inventarse cada día.

Pero no es, en modo alguno, un teatro ajeno a las

luchas presentes. Las hace suyas todas, y varias del

pasado, y algunas del futuro. Sólo que, en las

fronteras, la estrategia y las armas tienen que ser

distintas.

2010-03-24T08:04:00.000-07:00

Ana Cristina Restrepo Jiménez

La caja trágica

Medellín | Publicado el 24 de marzo de 2010

Tríptico:

Cuadro 1. Enredada en un cordón eterno, en las afueras del parque Simón Bolívar, espero más de seis horas para ver a mi banda de rock favorita. Cansancio y sed. A las 8 p.m., sale el vocalista, Chris Martin, y, de inmediato, desaparecen treinta mil personas alrededor. Canta sólo para mí. La música: alternativa celestial.

Cuadro 2. Me encuentro en una esquina con mi amigo Camilo, un niño grande que todavía le debe libros a la biblioteca de su colegio (con sello de préstamo de 1980 y pico), y que hoy es jefe de redacción de una revista. Caminamos por un parque, paramos en una pequeña librería. Y nos sobrecoge el silencio: libros apilados por doquier. Conversar y leer: dulces alternativas.

Cuadro 3. Llego a la Oficina Central de Los Sueños, compañía de teatro de cámara. Presentan la obra Tríptico: jugamos a subastar un cuadro de Van Gogh y, luego, 'nos meten' a los espectadores en pinturas del maestro holandés. Teatro: ¡alegre y poética alternativa!

¿Por qué no veo televisión desde hace cuatro años? Porque me aburre. Lo descubrí una noche, cuando esa caja con tres ojos (power/volume/channel), abrió sus fauces y gritó: '¡te voy a comer!'

Y yo no podía permitir eso. Entonces, apagué.

¿Por qué no comulgo con la censura a Rosario Tijeras (que jamás he visto ni le dedicaré un segundo)? Porque los seres humanos somos lo que buscamos ser pero, también, lo que elegimos no ser.

El acto de elegir, en condiciones de libertad, descarta la imposición. RCNy Caracol no me van a imponer su discurso incoherente y sensiblero ni su estética ramplona.

La función de "informar, entretener y educar" de la caja trágica, quedó en la teoría empolvada de las facultades de comunicación: basta ver cómo Telmex le pegó la lápida al canal Film & Arts (el único oasis).

La vida se trata de barajar alternativas y no de anularlas a fuerza de autoridad.

Dos pilares de la sociedad, familia y Estado, tienen la obligación de ofrecer opciones. Un televisor no es niñera ni padre. Tampoco reemplaza a escenarios y aulas.

En momentos tan polémicos, se evidencia que un país no se construye sólo a punto de infraestructura y seguridad. Un Estado socialmente responsable debe entregar posibilidades culturales al público: conciertos, teatro, artes plásticas, bibliotecas, parques (y no retazos de manga), escenarios deportivos, educación gratuita.

La solución no está en la censura, en las tijeras. Los medios no son demonio ni Mesías: el control remoto debe apuntar de la mano al televisor y no al contrario. La caja trágica no puede asumir el mando.

Quien conozca la libertad, el respeto al Otro y el valor de la vida misma, sabrá tomar la decisión? solito.

Es cuestión de formación. Y esa labor no se le puede delegar a un aparato.

*En este escrito me refiero a mayores de edad, con capacidad de discernimiento. Los niños necesitan guía: no hacen parte de esta reflexión.

VAN GOGH TRÌPTICO

2010-03-01T14:40:00.000-08:00

VAN GOGH TRÌPTICO

Director

Jaiver Jurado

¡Què admirable,
Quien no piensa, "La vida es Fugaz,"
Cuando ve el destello de un relàmpago
Basho.

Hacer y rehacer es premisa del arte. Volvemos a remirar la obra y se nos triplica el ojo u el oìdo. Perseguir una idea sin morir en ella, es el tema de esta nueva versiòn (alguien se apresurarìa a decir que "el arte son versiones, nada màs"). " El cuarto del Artista" es la pintura recreada en el tiempo y en el espacio que elegimos para viajar por el alma de este gran artista holandès. Van Gogh le dio mucha importancia a este cuadro preparado minuciosamente para la llegada de su amigo Paul Gauguin que junto con èl, serian los pioneros de una hìpotetica comunidad de artistas, allà en el sur de Francia, en la bùsqueda incesante de una nueva luz.

En sus famosas cartas a Theo dirìa sobre esta pintura:

"Esta vez simplemente reproduce mi habitaciòn; sòlo el color tiene que hacerlo todo, dando un estilo grandioso a los objetos con su simplificaciòn, llegando a sugerir un cierto descanso o sueño. Bueno, he pensado que al ver la composiciòn dejamos de pensar e imaginar".

Ese viaje sobre los objetos que hace el artista plàstico, esa introyecciòn hacia la materia, como la bùsqueda alquimista por el oro y el elixir, nos ha permitido sentir el fragor, el vèrtigo de este pintor a trvès de este sencillo trìptico, resultado de amplias investigaciones y exploraciones teatrales por parte del grupo.

El espectador va soslayàndose en los tres momentos que empiezan del presente hacia atràs como en una màquina del timepo, por allì tracurren realidades, personaje que nos asombran, nos conmueven y con ellos sentimos la presencia o mejor la ausencia de Vicent.

"Lo que menos deberìa interesar a los pintores es la muerte" decìa l pintor. Esa corresponsabilidad donde pueden encontrarse lo trascendente, fue lo que nos impulso a realizar la fìccion teatral. El primer impulso de acercamiento a ese "diàlogo" fueron sus famosas cartas a Thèo, un riquisimo confesiona de su particular mirada frente a la vida y el arte, "estos tratados de ètica" como dirìa Oscar Gonzàlez nuestro asesor literario, impulsores de las dramatìculas iniciales que luego se fueron desarrollando con la improvisaciòn de los actores.

La obra es una de-construcciòn, de ese personaje mito, a travès de los personajes que trascendieron su destino y dieron la vuelta de tuerca para que Van Gogh buscarà otras fronteras dentro del universo humano y artìstico, nos referimos a Paul Gauguin pintor impresionista, Christinne Sien su amante, Joseph Roulin su entrañable amigo el cartero, Thèo su hermano, el bebedor de Ajenjo y las prostitutas. De eso alude nuestro Van Gogh, con un tono melancòlico si se quiere.

Por Jaiver Jurado.

Articulo "Sueño en la Luna" por Ana Cristina Restrepo

2010-02-11T08:06:00.000-08:00

LOS NIÑOS DE ÍTACA

Publicado el 22 de Abril 2009

"Príamo, ¿vamos a Ítaca a comernos un heladito?", le pregunta Ulises a su amigo. Comienza el juego y, en el mar de la imaginación, le promete a Penélope que emprenderá un largo periplo para traerle "la lonchera más rica".

El escenario se llena de pelotas en el contraataque troyano, Ulises aborda la pavorosa balsa de Caronte en compañía de cuatro valientes niños del público, los mismos que, cuando entraron al teatro, fueron recibidos por una hermosa Reina de Corazones y pinta-caritas para todos?

"Verdad en la escena es todo aquello en lo que podemos creer con sinceridad", es el postulado básico (sospecho yo, lectora desprevenida) de Konstantin Stanislavski en su obra Un actor se prepara. Basada en esas palabras me atrevo a afirmar: doce niños de Medellín viajaron a Ítaca el pasado domingo, función de las 11 a.m., en la celebración de los 30 años del Teatro Popular de Medellín, en el Pablo Tobón Uribe.

Mientras Poseidón saludaba a los asistentes de trincho en mano, y Zeus rapeaba desde las nubes, me torturaba una duda: ¿Por qué hay sólo 28 butacas ocupadas?

Un día antes, sábado, en la Oficina Central de los Sueños, asistí al estreno de "Sueño en la luna", un montaje limpio y alegre (¡chistosísimo!), con música, sombras chinescas y títeres que se convertían en humanos, y que culminó en piñata y helado para los asistentes? ¡sí, el teatro es una fiesta!

Les estoy hablando de piezas escénicas lindas y bien logradas, cuyo producto pasó el examen del más implacable juez: no hubo niños durmiendo ni llorando ni yendo al baño ni preguntando "¿Cuánto falta, mamá?"?

El "mes de la infancia" es la excusa para pensar: ¿Qué se puede esperar de un niño cuando su máxima experiencia estética se resume en la vitrina de un almacén o en una caricatura de TV Cable?

El que se llena la boca hablando de sus "vivencias artísticas" en Londres, París y Nueva York, sin saber cómo es el arte en su ciudad es un esnob (O ¿qué tal los que dicen que "aquí nunca presentan nada bueno"?). Sólo aprecia a plenitud una obra en Broadway o en The Barbican el que no se deja engañar por el truco, por la papeleta comercial, el que reconoce el valor de lo lejano a fuerza de vivir lo propio.

Tuve la tentación -con cabeza caliente- de escribir que no nos merecemos estos artistas en la ciudad? pero retrocedí: nuestros niños sí los merecen.

Y planteo esto como un reto: atrévanse a conocer el Centro de la ciudad (vibrante, evocador, histórico, bonito? sí, el único paradigma de belleza urbana no puede ser el mall gringo); atrévanse a decirles a los niños: el mundo no es una caja cuadrada llena de muñequitos histéricos, allá afuera están las librerías, bibliotecas, parques, museos, conciertos, teatros?

Por estos lugares pasan numerosas rutas de buses, hay taxis a granel y parqueaderos vigilados. El precio de las boletas se acomoda a todos los presupuestos.

Que Ítaca sea el reino: no el centro comercial. Que Atenea sea la diosa: no la tarjeta Gold. Que Odiseo sea el héroe: no los Power Rangers. Que el arte vivo cautive a los niños: no esta cultura consumista que se rinde al placer inmediato -con línea directa al bolsillo- y desahucia el espíritu.

POEMA PARA TRES MUJERES

2010-01-23T08:12:00.000-08:00

"Es la Luna quien draga el mar de sangre negra un mes tras otro, con sus voces de fracaso. Me siento desamparada como el mas que se deshila Inquieta. Inquieta e Inùtil. Tambièn yo engendro cadàveres."

Tres Mujeres no es, en sentido estricto, una pieza teatral. Cuando Silvia Plath, marzo de 1962, casi un año antes de su desalentador suicidio, concluyo este "Poema Para Tres Voces" era frecuente entre los autores de distintos generos escribir ciertos textos destinados a la Radio, un medio que por aquel entonces, rechazando el avance corrosivo de la T.V., continuaba siendo mayoritario.

Existia precedentes. La BBC de londres, donde fue estrenada, habia retransmitido algunas de las Obras que, de uno u otro modo, pudieron haberle impulsado a semejante experimento formal, inusitado en su carrera: "All that fall", "Embers", o "Words and Music", de Samuel Beckett: "The Wound" de Ted Hughes, su marido; y sobre todo "Dylan Thomas, poeta con quien le unia una feroz afinidad y a quien pudo escucharsela, en viva voz, en 1953.

Aparentemente, el argumento no puede ser mas sencillo: Tres Mujeres de Diversas edades, profesiones y actitudes vitales (escisiones semiautobiograficas de su creadora) expresan la transformacion que en ellas opera la maternidad y los sentimientos enfrentados que tal hecho les produce. Al hilo de los acontecimientos - ingreso, parto, posparto, salida del Hospital-, entrevemos que la primera mujer lo acepta dichosa, la segunda angustiada, sufre su aborto y la tercera aun sintiendose culpable, decide abandonar a su hija. ¿en donde radicaria, entonces, la importancia de esta pieza, tan nimia en recursos dramaturgicos, tan carente de espectacularidad?

Yo diria que en su propia desnudez. Pues, si por algo se considera a Silvia Plath como una de las liricas mas intensas de este siglo ya agonizante, es por habel sabido dotar de una armazon poetico dificilmente igualable a temas que antaño parecian andinos o exentos de cualquier valor literario, maxime, claro esta, todo cuanto era relativo a la verdadera esencia de la mujer, no a la imagen sublimada que de ella poseia el hombre.

por Juan Abeleira.